Mostre - Salvador Dalí e la moda: surrealismo, identità e desiderio in oltre 200 opere. Fino al 31 gennaio 2027 Palazzo Reale, Milano

La prima grande mostra internazionale sul rapporto tra Dalí e la moda: dipinti, abiti, gioielli, fotografie e collaborazioni che hanno riscritto l’immaginario del corpo.

Oltre 200 opere dalla Fundació Gala-Salvador Dalí e da musei internazionali, con al centro Gala — musa, modella e stratega dell’immagine.

Un viaggio tra arte e moda, dove immaginazione, identità e desiderio si fondono in un unico linguaggio visivo. 

Con oltre 200 opere e documenti — dipinti, disegni, fotografie, abiti, filmati, gioielli e oggetti — la mostra esplora il legame tra l’artista catalano e il mondo della moda, rivelando una dimensione meno nota ma straordinariamente fertile della sua ricerca.

Nell'opera di Dalí ricorre un ricco immaginario simbolico legato all’universo : scarpe, abiti, giacche, guanti e gioielli diventano elementi chiave del suo linguaggio surrealista. Protagonista nella creazione di nuovi codici estetici, l'artista ha collaborato con stilisti, fotografi e maison, ridefinendo i confini tra arte e moda e dimostrando una straordinaria capacità di intuire e sfruttare in anticipo le dinamiche di questo mondo.

ll percorso espositivo spazia dalla pittura alla scultura e al design, dal manichino al corpo, restituendo l'impatto di Dalí sull'immaginario della moda e documentando la tensione costante verso l'innovazione e la libertà creativa che ha guidato tutta la sua ricerca.

Direttrice scientifica: MONTSE AGUER | Curatrice: LAURA BARTOLOME’ ROVIRAS | Curatrice associata per la moda: JUDITH CLARK | Curatrici associate: LUCIA MONI E BEA CRESPO

Una mostra promossa da Comune di Milano - Cultura, prodotta da Palazzo Reale, Mondo Mostre, Civita Mostre e Musei

In collaborazione con Fundació Gala-Salvador Dalí

Con il patrocinio del Ministero della Cultura, Ambasciata di Spagna in Italia e Camera Nazionale della Moda Italiana

Informazioni QUI  

fonte e informazioni: www.palazzorealemilano.it 

Al Museo di Castelvecchio "La Venere di Tiziano e il Rinascimento musicale. Musica per gli Occhi dal Museo del Prado alla Città di Verona"

Un capolavoro assoluto del Rinascimento italiano lascia eccezionalmente il Museo del Prado di Madrid per approdare a Verona nell’ambito delle iniziative per la ricorrenza dei cento anni dall’inaugurazione del Museo di Castelvecchio (1926-2026).

Dal 31 ottobre 2026 al 31 gennaio 2027 il Museo di Castelvecchio presenta 

La Venere di Tiziano e il Rinascimento musicale.
Musica per gli Occhi dal Museo del Prado alla Città di Verona

una mostra, allestita in Sala Boggian, che ruota attorno alla straordinaria Venere con cane e suonatore d'organo di Tiziano, una delle immagini più raffinate e seducenti della pittura del Cinquecento, protagonista di un originale percorso che intreccia arte, musica dipinta ed eseguita e pensiero umanistico.

L'esposizione, curata da Francesca Rossi, Luca Fabbri e Michele Magnabosco, nasce da una lunga consuetudine di rapporti di collaborazione scientifica tra il museo veronese e il Museo del Prado, che ha visto di recente una stretta cooperazione in occasione della grande mostra monografica su Paolo Caliari detto il Veronese, tenutasi a Madrid nel 2025.

Da questa intesa prende forma un nuovo progetto internazionale che porta a Verona uno dei dipinti più prestigiosi delle collezioni madrilene e lo pone in relazione con un importante nucleo di opere d’arte a tema musicale del Museo di Castelvecchio e con opere, strumenti musicali, libri e partiture antiche provenienti dalle Gallerie degli Uffizi di Firenze, dall’Accademia Filarmonica di Verona, dal Museo internazionale e biblioteca della musica di Bologna, dalla Biblioteca Civica e dalla Biblioteca Capitolare di Verona.

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La mostra è promossa dal Comune di Verona, Assessorato alla Cultura, Musei Civici - Museo di Castelvecchio, con il Museo del Prado e l’Accademia Filarmonica di Verona come partner scientifici, in collaborazione con il Conservatorio "E. F. Dall'Abaco" di Verona, con il patrocinio della società Amici della Musica Verona, con il sostegno di Fondazione Cariverona, The Amenc Family Initative for Art e EDHEC business School. La mostra è ideata e organizzata dai Musei Civici di Verona - Museo di Castelvecchio e co-prodotta con Civita Mostre e Musei.

In dialogo con l’opera di Tiziano saranno esposti altri due celebri esempi della pittura veneziana: la Contesa delle Muse e le Pieridi di Jacopo Tintoretto, delle collezioni di Castelvecchio, e il famoso Autoritratto con spinetta degli Uffizi, dipinto dalla figlia del maestro, Marietta Robusti, che fu pittrice e musicista.

Attorno a questo straordinario prestito si sviluppa un percorso che riunisce una trentina di opere tra dipinti sculture, strumenti musicali, libri di musica e partiture originali. I veronesi si distinguono con pagine miniate di Girolamo Dai Libri, allegorie della Musica di Bonsignori e Giolfino e un Giardino d’Amore di Zelotti affiancato a un Concerto all’aperto del fiammingo Ambrosius Benson.

Un tratto di grande interesse del progetto deriva dal fatto che accanto ai dipinti saranno esposti anche gli strumenti realmente raffigurati nelle opere: cornetti, flauti rinascimentali, libri di madrigali e manoscritti e a stampa originali provenienti dall'Accademia Filarmonica di Verona, la più antica accademia musicale d'Europa. Il visitatore potrà così confrontare direttamente l'immagine dipinta con gli oggetti che animavano la pratica musicale del Cinquecento. 

Continua a leggere QUI per tutti gli eventi e Concerti collegati alla mostra.

fonte: https://museodicastelvecchio.comune.verona.it 

Firenze: "SCUOLA DI TEATRO INTERCITY" Corsi triennali di teatro. Da novembre a maggio 1 volta a settimana

Improvvisazione, creazione del personaggio, dizione e tecniche vocali, espressione corporea, drammaturgia classica e contemporanea.

La Scuola di Teatro Intercity è il dipartimento formativo del progetto Intercity dall’associazione Teatro della Limonaia ETS.

Quasi 40 anni di organizzazione del progetto Intercity (Intercity Festival e Intercity Connections), hanno permesso alla direzione artistica dell’associazione Teatro della Limonaia di conoscere e presentare, in anteprima in Italia, le novità del panorama teatrale internazionale, entrando in contatto con le “scuole” di teatro che si sono affermate all’estero.

 Questo importante bagaglio artistico arricchisce e rinnova, anno dopo anno, l’offerta didattica della scuola.
La struttura della Scuola di Teatro Intercity prevede un corpo docente permanente, che seguirà gli studenti nei diversi percorsi didattici, affiancato da stage e workshop condotti da professionisti ed esperti.
Il programma didattico si estende su tre anni, con la frequenza di una volta alla settimana e l’aggiunta di corsi e seminari mirati all’approfondimento di diverse discipline. L’ingresso al primo anno non avviene tramite provini né meriti, mentre ci sarà una selezione per accedere agli anni successivi.

Percorso del primo anno
L’organizzazione ha scelto di non ostacolare, tramite provini, l’accesso al primo anno: le potenzialità e il talento possono a volte nascondersi dietro la facciata di un certo apparire, dell’adolescenza o di una determinata professione e necessitano di tempo per manifestarsi, essere esplorati e verificati.
Durante il percorso didattico del primo anno la scuola offre la possibilità di “incontrare“ il teatro: l’allievo potrà sperimentare la propria capacità espressiva e trovare il proprio spazio all’interno del mondo scenico.
Sono previsti esercizi di gruppo (improvvisazione, uso della “maschera”, ascolto e l’attenzione all’altro, riscaldamento del corpo e della voce, primi passi verso lo studio del personaggio)mirati al raggiungimento di una consapevolezza scenica.

Percorso del secondo anno
Il secondo anno si focalizza su un’opera di drammaturgia classica o contemporanea, attraverso l’analisi del testo e della struttura drammaturgica. Il percorso è incentrato sulla preparazione fisica dell’allievo, sulla presa di coscienza delle proprie capacità motorie e vocali, anche attraverso un primo approccio con le tecniche di dizione. L’obiettivo del corso è di rendere l’allievo un corpo dinamico sulla scena, in grado di controllare ogni singolo movimento e di presentare a fine anno uno spettacolo corale in cui tutti gli allievi mettono alla prova il corpo e la voce.

Percorso del terzo anno
Il percorso del terzo anno prevede lo studio dal punto di vista dell’attore di un testo teatrale classico o “classico contemporaneo”, con particolare attenzione all’analisi dei personaggi e dei loro rapporti, per concentrarsi successivamente alla messa in scena di uno spettacolo vero e proprio, che verrà presentato sul palcoscenico del Teatro della Limonaia. Il percorso prevede un laboratorio di approfondimento sulla dizione.

Percorso del quarto anno (anno supplementare)
Il quarto anno si presenta come un ulteriore e supplementare percorso di approfondimento sulle tecniche attoriali attraverso l’utilizzo di testi contemporanei, che prevedono,tramite una serie di studi riguardanti le varie discipline teatrali, un livello più complesso di analisi e quindi di crescita espressiva,emotiva e di consapevolezza scenica.

Per i saggi dell’anno in corso, consultare la pagina SAGGI.

>>> INFORMAZIONI E ISCRIZIONI  

fonte: www.teatrodellalimonaia.it 

Mostre: STILL IMAGE. Fotografie di Jessica Lange. A Le Sale Chiablese dei Musei Reali di Torino fino al 7 febbraio 2027

Jessica Lange, Minnesota, 1992-2008 © Jessica Lange

Le Sale Chiablese dei Musei Reali di Torino ospitano dal 7 ottobre 2026 al 7 febbraio 2027 la mostra STILL IMAGE. Fotografie di Jessica Lange, a cura di Anne Morin.

Prodotta da Ares in collaborazione con i Musei Reali di Torino, l’esposizione presenta i lavori fotografici dell’attrice e fotografa americana Jessica Lange (Cloquet, Minnesota, Stati Uniti, 20 aprile 1949) e porta per la prima volta in Italia opere in gran parte inedite.

La rassegna, attraverso una selezione di oltre 200 immagini, ripercorre quasi trent’anni di ricerca fotografica, restituendo lo sguardo intenso, poetico e profondamente umano dell’autrice.

Il percorso espositivo si sviluppa attraverso otto sezioni tematiche, in gran parte inedite, concentrandosi in modo particolare sulle fotografie realizzate a partire dalla fine degli anni Novanta, in cui sensibilità artistica e attenzione documentaria rivelano uno sguardo profondo e malinconico sul mondo contemporaneo.

Cuore della mostra è il ciclo dedicato alla Highway 61, la celebre strada che attraversa gli Stati Uniti da nord a sud, dal Minnesota, terra natale dell’artista, fino a New Orleans. In queste immagini in bianco e nero, caratterizzate da una grana marcata e da forti contrasti, Lange costruisce un racconto dell’America rurale fatto di silenzi, atmosfere sospese e dettagli carichi di significato.

Accanto a questo nucleo si articolano altre serie che ampliano la geografia e l’immaginario dell’autrice, come le fotografie che troviamo nella sezione Messico, in particolare quelle scattate durante la Festa dei Morti a San Miguel de Allende. Qui Jessica Lange si muove senza un obiettivo preciso, lasciandosi guidare dall’intuizione e dall’esperienza del mondo. Il suo sguardo predilige la solitudine, la distanza dagli altri e una presenza discreta, quasi invisibile, che osserva e contempla più che intervenire. Il tempo, nelle sue fotografie, non è interrotto ma dilatato: si distende lentamente seguendo la luce, il passo, l’attesa. È soprattutto nel crepuscolo e nella notte che il Messico prende forma: ombre, corpi, danze, musica popolare, incontri e gesti si animano in una dimensione intensa e sensuale.

Si passa poi agli scatti urbani di Dérive, realizzati a New York durante la pandemia di Covid-19 (2020-2021) e alla serie Freak Show, nata durante le riprese di American Horror Story, in cui emerge un interesse per il mondo del circo e per le sue figure eccentriche e marginali.

Tre le sezioni completamente inedite, Gesti raccoglie un inventario di gesti ed espressioni corporee, minimi ma significativi, capaci di suggerire, da soli, l’inizio di una storia. Al centro poetico della serie si impone in particolare la straordinaria forza comunicativa della mano, elemento che rimanda con evidenza alla professione di attrice di Jessica Lange e che sembra averne profondamente ispirato lo sguardo. 

Il programma degli eventi collaterali prosegue con la collaborazione del Museo Nazionale del Cinema, che propone la proiezione del film “Il postino suona sempre due volte” (The Postman Always Rings Twice, USA, 1981), diretto da Bob Rafelson e interpretato da Jessica Lange e Jack Nicholson. La pellicola sarà proiettata al Cinema Massimo di Torino (Sala 3), martedì 15 dicembre alle ore 20.30, in replica mercoledì 16 dicembre alle ore 18.00. Per informazioni e acquisto dei biglietti è possibile rivolgersi in cassa o consultare il sito del Cinema Massimo.

Accompagna la mostra un catalogo (italiano/inglese) edito da Moebius.

>>  Contiua a leggere l'articolo QUI 

fonte:  https://museireali.beniculturali.it 

Mostre: Musei Reali Torino "I Racconti del Patrimonio" fino al 7 Gennaio 2027

A partire dal mese di settembre, i Musei Reali propongono I Racconti del Patrimonio: visite tematiche per esplorare percorsi poco conosciuti e approfondire la storia delle collezioni attraverso lo sguardo e l’esperienza del personale di accoglienza e mediazione del museo.

Partenze delle visite: ore 15.30 e ore 16.30.

Punti di ritrovo:

• atrio della Manica Nuova per le visite al Museo di Antichità e alla Galleria Sabauda;
• Salone delle Guardie Svizzere per Palazzo Reale – Appartamento della Regina;
• Corte d’Onore di Palazzo Reale per le Cucine;
• Biblioteca Reale per le visite dedicate alle relative collezioni.

PROGRAMMA

SETTEMBRE

• ogni lunedì: Museo di Antichità – Archeologia a Torino
• ogni venerdì: Palazzo Reale – Appartamento della Regina 
• sabato 26 settembre: Palazzo Reale – Cucine Reali 

OTTOBRE

• ogni lunedì: Galleria Sabauda – A Babilonia (Semiramide) di Cesare Saccaggi –  e Museo di Antichità – Galleria Archeologica/Vicino Oriente Antico e Cipro
• ogni giovedì: Palazzo Reale – Appartamento della Regina 
• ogni venerdì e sabato 3, 10, 17 e 24 ottobre: Galleria Sabauda – Collezione Lenci
• sabato 31 ottobre: Palazzo Reale – Cucine Reali 

NOVEMBRE

• ogni lunedì: Galleria Sabauda – A Babilonia (Semiramide) di Cesare Saccaggi –  e Museo di Antichità – Galleria Archeologica/Vicino Oriente Antico e Cipro
• ogni giovedì: Palazzo Reale – Appartamento della Regina
• ogni venerdì e sabato 7, 14, 21 novembre:  Galleria Sabauda – Collezione Lenci
• sabato 28 novembre: Palazzo Reale – Cucine Reali 

DICEMBRE – fino al 7 gennaio 2027

• ogni lunedì: Galleria Sabauda – A Babilonia (Semiramide) di Cesare Saccaggi –  e Museo di Antichità – Galleria Archeologica/Vicino Oriente Antico e Cipro
• ogni giovedì: Galleria Sabauda – Collezione Lenci
• ogni venerdì: Biblioteca Reale
• sabato 26 dicembre: Palazzo Reale – Cucine Reali 
   
  fonte e Informazioni: https://museireali.beniculturali.it 

50 giorni di Cinema a Firenze. Dal 6 ottobre al 10 dicembre

Dal 6 ottobre al 10 dicembre edizione numero venti per la rassegna di cinema a Firenze a La Compagnia e in numerosi altri luoghi della città

La ventesima edizione della 50 giorni di cinema a Firenze si terrà dal 6 ottobre al 10 dicembre 2026, come sempre a La Compagnia e in numerosi altri luoghi della città.
Un intenso cartellone che tiene insieme importanti e storici festival internazionali, per 50 giorni di cultura, arte, eventi, anteprime, incontri con registi e attori.

La Fondazione CR Firenze presenta le CARD FONDAZIONE CR FIRENZE – 50 GIORNI DI CINEMA, due proposte di abbonamento ai 9 festival compresi nel programma “50 Giorni” per promuovere l’accesso alla cultura e al grande cinema internazionale a La Compagnia:

• Abbonamento gratuito “Under 25”, riservato ai primi 500 giovani under 25 che ne faranno richiesta tramite il portale fondazionecrfirenze.it/fondazioneperte. La tessera è valida per 16 ingressi, utilizzabili nel corso di tutta la “50 Giorni di Cinema a Firenze” 2026, per un massimo di 2 proiezioni per ogni Festival;
• Abbonamento ridotto, al costo 50 euro, che darà diritto ad una tessera valida per 16 ingressi, utilizzabili nel corso di tutta la “50 Giorni di Cinema a Firenze” 2026, per un massimo di 4 biglietti per ogni Festival. 

Entrambi gli abbonamenti saranno disponibili a partire dal 10 settembre solo alla cassa del cinema e fino ad esaurimento della disponibilità.
Le card sono nominali e non cedibili e possono essere utilizzate solo esibendo un documento d’identità.

Tutti i possessori delle CARD FONDAZIONE CR FIRENZE – 50 GIORNI DI CINEMA, parteciperanno all’estrazione di 10 GOLDEN PASS, validi per un 2027 di cinema gratis a LA COMPAGNIA. per celebrare i 10 anni del cinema LA COMPAGNIA.

I festival dell’edizione 2026

• 6/11 ottobre – Middle East Now
  Viaggio nel Medio Oriente contemporaneo tra anteprime, mostre, eventi, presentazioni, talk con i protagonisti del festival e momenti food.
• 14/18 ottobre – FánHuā Cinese Film Festival
  Una finestra sulla Cina contemporanea e il suo cinema d’autore.
• 21/25 ottobre – Festival di Cinema e Donne
  Da oltre 45 anni, il meglio, su grande schermo, a firma femminile con primi piani sulle grandi maestre del cinema mondiale e su molte registe esordienti.
• 28 ottobre/1 novembre – France Odeon
  Il migliore cinema francese in anteprima a Firenze, i film più rappresentativi della produzione cinematografica d’Oltralpe con tanti ospiti internazionali e momenti di approfondimento.
• 2/8 novembre – Festival dei Popoli
  Il più importante Festival Internazionale di cinema documentario in Italia e il più antico in Europa.
• 11/15 novembre – Lo Schermo dell’Arte
  Un appuntamento internazionale che presenta una selezione della migliore recente produzione di film d’artista e di documentari sull’arte contemporanea, incontri con artisti, autori e curatori.
• 18/22 novembre– Florence Queer Festival
  Le storie e la cultura Queer al di fuori di ogni stereotipo
• 3/8 Dicembre – River to River Florence Indian Film Festival
  Una finestra sull’India contemporanea, con una selezione dei migliori film in concorso, accompagnati dai registi e attori.
• 10 dicembre – Premio N.I.C.E. Citta di Firenze
  Da 35 anni una piattaforma di riferimento per la promozione del nuovo cinema italiano a livello internazionale.

fonte: https://cultura.comune.fi.it 

Eventi - Autunno Fiorentino 2026

Dal 1° ottobre al 30 novembre la V edizione della rassegna culturale che anima le zone meno centrali della città con oltre 226 eventi

Dopo il grande successo dell’Estate Fiorentina, la cultura non si ferma e continuerà ad animare strade e piazze con spettacoli e appuntamenti in tutti i quartieri fuori dall’Area Unesco anche per i prossimi mesi.

Aprirà infatti il 1° ottobre e durerà fino al 30 novembre la V edizione dell’Autunno Fiorentino, la rassegna culturale che anima le zone meno centrali della città con oltre 226 eventi fra spettacoli, concerti, performance, laboratori e workshop per tutti i gusti.

Una rassegna che porterà allegria, musica e cultura nelle piazze di tutti i quartieri fuori dal centro, per la quale sono stati stanziati 591.705 euro con risorse del Ministero della Cultura nell’ambito del Fondo Nazionale per lo Spettacolo dal Vivo.

L’Autunno Fiorentino – la rassegna promossa per i mesi autunnali dal Comune di Firenze – sarà ricchissimo di appuntamenti ed arriva dopo un bando pubblico che è servito per selezionare i migliori progetti che per due mesi coinvolgeranno la città. Partirà non appena chiude l’Estate Fiorentina che con l’edizione 2026 registra un grande successo sia per la qualità dell’offerta capillare che ha animato la città sia per la grandissima partecipazione di pubblico. 

La kermesse dell’Estate Fiorentina è partita il 1° giugno e si chiude il prossimo 30 settembre. L’edizione 2026 ha registrato il record di 1385 appuntamenti sparsi in tutta Firenze. Il progetto è stato finanziato con quasi 1,9 milioni di euro di cui 800mila euro del fondo PN Metro Plus 2021-2027 e il restante con risorse proprie ed ha coinvolto 113 progetti e 160 associazioni che hanno animato la città con progetti, 5 eventi speciali tematici e 9 festival, oltre a 10 spazi estivi. Una rassegna capillare, molto partecipata, raccontata anche grazie ad un’attività di comunicazione realizzata sia sui mezzi tradizionali (impianti sui viali, poster 6x3, manifesti 70x100 in area Unesco, stampa sia in italiano che in inglese, radio e sale cinematografiche) che su quelli digitali come maxi schermi in varie zone della città e sistema di digital signage.

L'Estate Fiorentina 2026 ha segnato anche la grande attenzione al parco delle Cascine, dove si sono concentrati oltre 150 eventi culturali tra concerti, festival, spettacoli, incontri e iniziative per tutte le età, insieme a un ricco calendario di attività sportive e ricreative. Un investimento sulla vivibilità e sull'attrattività del parco, accompagnato dal rafforzamento dei presidi delle forze dell'ordine, dalle nuove telecamere e dal potenziamento dell'illuminazione, per farne un luogo sempre più vissuto, frequentato e sicuro dalla mattina alla sera. >>> Continua a leggere l'articolo QUI 

>> Info complete QUI  

fonte: https://cultura.comune.fi.it 

A Palazzo Strozzi "Broken. Il potere del frammento" in mostra a Firenze fino al 24 gennaio 2027

Palazzo Strozzi presenta Broken. Il potere del frammento, una grande mostra dedicata al tema del frammento nella storia della scultura dall’archeologia all’arte di oggi. 

Organizzata con la National Gallery of Art di Washington, l’esposizione riunisce straordinarie e affascinanti opere dall’antico Egitto a Michelangelo, dalla Grecia classica a Rodin, fino ad artisti contemporanei come Louise Bourgeois, Francesco Vezzoli e Danh Vo.

La mostra è un invito a compiere un viaggio tra luoghi ed epoche diverse, dalle antiche civiltà del mondo egizio, etrusco e greco-romano alle culture premoderne degli attuali Messico, Mali, Perù e Cambogia. 

Opere dei principali maestri della storia dell’arte, tra cui Giovanni Pisano, Michelangelo, Auguste Rodin, sono affiancate alle sculture di artisti contemporanei come Louise Bourgeois, Huma Bhabha, Robert Gober, Francesco Vezzoli e Danh Vo, che hanno assunto il frammento come punto di partenza per nuove possibilità espressive. 

In occasione della mostra, inoltre, Palazzo Strozzi presenta una nuova installazione dell’artista olandese-belga Mark Manders, concepita per il Cortile rinascimentale.

Con oltre ottanta opere e reperti provenienti dai più importanti musei del mondo, tra cui il Metropolitan Museum di New York, il Louvre di Parigi, il British Museum di Londra e il Museo Nacional de Antropología di Città del Messico, la mostra indaga il frammento da un nuovo punto di vista: non come semplice resto di un’unità perduta, ma come oggetto autonomo, capace di custodire tracce di memoria e trasformazione.

Il frammento nasce come una precisa scelta oppure racconta una storia di cui porta ancora i segni: iconoclastie antiche e moderne, guerre, rivoluzioni, vandalismi e calamità naturali, come l’alluvione di Firenze del 1966. Ne emerge una riflessione sul valore artistico, politico e simbolico che una scultura acquisisce in seguito alla propria rottura e sulla capacità del frammento di diventare strumento di conoscenza e immaginazione, presenza viva che continua a interrogare il nostro presente.

Broken. Il potere del frammento è organizzata dalla Fondazione Palazzo Strozzi, Firenze, e dalla National Gallery of Art, Washington, dove sarà presentata in una versione rinnovata dal 3 marzo al 27 giugno 2027. La mostra è curata da C.D. Dickerson III, direttore del Center for Advanced Study in the Visual Art, e da Andrew Sears, assistant curator of northern European paintings, entrambi della National Gallery of Art, in collaborazione con Arturo Galansino, Direttore Generale della Fondazione Palazzo Strozzi.

Sostenitori pubblici Fondazione Palazzo Strozzi: Comune di Firenze, Regione Toscana, Città Metropolitana di Firenze, Camera di Commercio di Firenze.
Sostenitori privati Fondazione Palazzo Strozzi: Fondazione CR Firenze, Intesa Sanpaolo, Fondazione Hillary Merkus Recordati, Comitato dei Partner di Palazzo Strozzi.

Cover: Arte egizia, Naso e labbra di Akhenaton, da Akhetaten, oggi Amarna, Egitto, 1353-1336 a.C. circa. New York, The Metropolitan Museum of Art, acquisto, dono di Edward S. Harkness, 1926 (26.7.1394) © The Metropolitan Museum of Art / Art Resource / Scala, Firenze

fonte: www.palazzostrozzi.org 

Danza - Al Teatro Europauditorium Bologna. Caravaggio con Roberto Bolle

Il Teatro Comunale di Bologna presenta Caravaggio, balletto ispirato alla vita e all’arte rivoluzionaria di Michelangelo Merisi. Lo spettacolo, per la prima volta in scena nel capoluogo emiliano, è firmato dal coreografo Mauro Bigonzetti e vede protagonista l’étoile Roberto Bolle nel ruolo del celebre pittore.

Le quattro rappresentazioni si terranno giovedì 8 ottobre 2026 alle 20:30, venerdì 9 ottobre 2026 alle 20:30 e sabato 10 ottobre 2026 alle 16 e alle 20:30, al Teatro EuropAuditorium di Bologna.

Nato nel 2008 per lo Staatsballett Berlin, il balletto è costruito in due atti e racconta la complessità psicologica di Caravaggio, uomo inquieto e artista innovatore. Le scenografie e il disegno luci sono di Carlo Cerri, mentre i costumi sono realizzati da Lois Swandale e Kristopher Millar. L’allestimento è della Fondazione Teatro del Maggio Musicale Fiorentino.

Le musiche di Claudio Monteverdi, tratte tra gli altri da L’Orfeo, dal Combattimento di Tancredi e Clorinda e dall’Incoronazione di Poppea, sono state riorchestrate da Bruno Moretti, impegnato anche alla direzione dell’Orchestra della fondazione lirico-sinfonica felsinea.

Accanto a Roberto Bolle danzano Maria Khoreva, Anastasia Matvienko, Ksenia Rhzeuskaya, Vania De Rosas, Luca Curreli-Rose, Mattia Teora, Gioacchino Starace e Francesco Curatolo, insieme a un corpo di ballo composto da circa 30 professionisti selezionati tramite audizione.

Le rappresentazioni saranno precedute, circa 45 minuti prima dell’inizio, da una breve presentazione del balletto nel foyer del Teatro EuropAuditorium.

I biglietti costano da 60 a 130 euro e sono acquistabili online tramite TicketOne fino a 48 ore prima dello spettacolo. Successivamente saranno disponibili presso la biglietteria del Teatro Comunale all’Auditorium Manzoni e, nei giorni di spettacolo, al box office del Teatro EuropAuditorium, da un’ora prima dell’inizio e fino a 15 minuti dopo. 

Sito Web: www.tcbo.it/eventi/danza-20...

Da giovedì 8 a sabato 10 ottobre 2026 Bologna Teatro Europauditorium Piazza della Costituzione, 4 8 e 9 ottobre ore 20:30; 10 ottobre ore 16 e 20:30 ingresso a pagamento 60-130 euro Info. +39 051 529947 (clicca per ingrandire ) fonte:  https://iltaccodibacco.it

Firenze: dal 28 settembre la nuova Collezione Casamonti apre a Palazzo San Giorgio

A pochi passi da Ponte Vecchio, sul Lungarno Serristori, l’Associazione per l’arte e la cultura – “Collezione Casamonti” inaugura la nuova sede espositiva di Palazzo San Giorgio, aprendo al pubblico dal 28 settembre 2026 con l’esposizione di una raccolta di opere d’arte contemporanea su progetto del gallerista Roberto Casamonti.

La nuova sede, edificio ottocentesco storicamente legato al vicino Palazzo Serristori, è stata interessata da un intervento di restauro e rifunzionalizzazione firmato dallo studio Archea Associati, e concepito per accogliere il nuovo allestimento permanente della raccolta. 

La “Collezione Casamonti” espone oggi circa 250 opere dei maestri dell’arte italiana e internazionale, databili dalla fine del XIX secolo ai giorni nostri. Il percorso espositivo, articolato attraverso 28 sale distribuite su due livelli del palazzo, conduce il visitatore in un itinerario tra movimenti, generazioni e linguaggi differenti, alternando nuclei storici, confronti tra artisti e approfondimenti dedicati alle principali ricerche stilistiche e artistiche del Novecento e della contemporaneità. 

Nel corso degli anni, la raccolta si è sviluppata grazie all’incessante curiosità di Roberto Casamonti, rivolgendo il proprio sguardo tanto ai grandi protagonisti dell’arte del Novecento quanto alle esperienze più recenti dell’arte del XXI secolo.  

Tra gli artisti presenti figurano, tra gli altri, Giovanni Boldini, Giacomo Balla, Giorgio de Chirico, Pablo Picasso, Wassily Kandinsky, Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte, Maria Helena Vieira da Silva, Lucio Fontana, Alberto Burri, Piero Manzoni, Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Bill Viola, Marina Abramović, Anselm Kiefer, Anish Kapoor e Maurizio Cattelan.

Il progetto nasce con la volontà di condividere con la città di Firenze, e il suo pubblico internazionale, l’arte contemporanea italiana e non. Fin dalle sue origini, e ancor più con l’apertura della nuova sede, la “Collezione Casamonti” consolida la propria presenza tra le principali realtà private dedicate all’arte contemporanea in Italia e, non ad ultimo, a Firenze. 

Tutte le  >>  INFO  

fonte: www.collezionecasamonti.it 

Siena ricorda il Maestro fiorentino: al Teatro dei Rinnovati l’omaggio a Zeffirelli

Venerdì 25 settembre alle 21, il Teatro dei Rinnovati di Siena ospita un evento speciale in ricordo del Maestro fiorentino, con la proiezione in anteprima del documentario firmato da Federico Fazzuoli, che racconta la messa in scena dell’ultima opera diretta da Zeffirelli per la prestigiosa Royal Opera House di Muscat, in Oman.

È il racconto di un congedo e di un ritorno: l’ultimo gesto creativo di un artista che ha portato l’immaginario italiano sui palcoscenici e sugli schermi di tutto il mondo, restituito attraverso le immagini di chi ha seguito da vicino la nascita dello spettacolo.

La proiezione sarà preceduta da un talk show con ospiti del mondo del cinema e dello spettacolo, che verranno annunciati nei prossimi giorni sui canali ufficiali del Festival.

Un appuntamento speciale che culminerà poi con la trentesima edizione del Festival, in programma a Siena dal 13 al 17 ottobre 2026, con proiezioni al Cinema Nuovo Pendola e serata di gala finale al Teatro dei Rinnovati.

L’evento si svolge con il patrocinio di Fondazione Franco Zeffirelli, Comune di Siena, Teatri di Siena e Accademia Musicale Chigiana.

Evento speciale in onore di Zeffirelli. Talk show e proiezione in anteprima

Ingresso con prenotazione gratuita su Eventbrite clicca sul link 

>> https://www.eventbrite.it/e/biglietti-evento-speciale-in-onore-di-zeffirelli-talk-
show-e-proiezione-in-anteprima-1999395577996 

terradisienafilmfestival.eu | Facebook  e  Instagram 

fonte: https://sienanews.it 

A Milano: "A passo di Carla" una mostra per l'étoile Fracci

Ph. © Archivio fotografico del Teatro alla Scala

Si inaugura lunedì 21 settembre alle ore 19 al Teatro della Quattordicesima, nel cuore di Calvairate, la mostra "A passo di Carla", il progetto espositivo con cui l'Accademia Teatro alla Scala celebra gli ottant'anni dall'ingresso di Carla Fracci alla Scuola di Ballo scaligera.

Era infatti l'autunno del 1946 quando la futura étoile lasciava proprio quel quartiere per muovere i primi passi come allieva della Scuola di Ballo. Oggi, otto decenni dopo, sono le allieve e gli allievi dei Trienni AFAM in Multimedia per le Performing Arts e in Tecniche di Allestimento Scenico — guidati dalle docenti Laura Ferrari, Alessandra Galletta e Francesca Pedroni — a intrecciare fotografia, video, testi e contenuti multimediali per costruire un racconto contemporaneo fatto di frammenti, rimandi e memoria.

L'allestimento, reso possibile dal finanziamento del Municipio 4 del Comune di Milano, è stato pensato per vivere negli spazi di passaggio del teatro: il foyer diventa così parte del percorso, accompagnando l'attesa del pubblico prima e dopo lo spettacolo.

La mostra, che attinge all'Archivio fotografico del Teatro alla Scala e ad altri prestigiosi archivi, si sviluppa infatti in cinque sezioni.

Nella prima, due schermi mandano in loop altrettanti video costruiti su sequenze fotografiche, mettendo in dialogo la vita pubblica dell'étoile sul palco e la sfera più privata e intima.
Segue una selezione di scatti dall'Archivio fotografico della Scala, accompagnati da parole della stessa Fracci o da testimonianze su di lei: piccoli ricordi che il pubblico può portare con sé. Nella terza sezione, immagini della quotidianità della grande ballerina si diffondono nel teatro attraverso cartonati lungo le pareti del foyer.

Grazie alla collaborazione con il Triennio AFAM in Costume per lo Spettacolo, il percorso si arricchisce con un capitolo tridimensionale dedicato ai costumi, che accolgono il pubblico già all'ingresso della mostra.
Infine, le immagini delle interpretazioni che l'hanno resa immortale, accompagnate a QR code che rimandano ad approfondimenti sulla sua storia artistica e personale.

"A passo di Carla" sarà aperta al pubblico fino al 27 settembre.

Ingresso libero, dal 22 al 26 settembre con orario 10-20, il 27 settembre chiusura anticipata alle ore 19.

Allieve e allievi del Triennio AFAM in Tecniche di Allestimento Scenico: Elisa Antoniello, Aurora Bertolla, Pietro Leccese, Eleonora Mondora, Leila Morittu, Gloria Ravioli, Lorenzo Sala.

Allieve e allievi del Triennio AFAM in Multimedia per le Performing Arts: Dennis Cursio, Matilde Donato, Milana Megina, Enea Scutellà, Marco Rodaro.

Curatrici artistiche: Laura Ferrari, Alessandra Galletta, Francesca Pedroni

Coordinamento organizzativo: Jacopo Guarneri, Jessica Murano

Tutoraggio: Erica Locatelli, Roberto Vezzoli

fonte:  www.accademialascala.it 

Mostre: Keith Haring al Museo di Roma

 

"Keith Haring"  6 ottobre 2026 - 11 aprile 2027 al Museo di Roma 

 

Una mostra dedicata a una delle figure più riconoscibili del secondo Novecento: un artista che ha trasformato la linea in linguaggio pubblico, la strada in arte alta e l'immagine in messaggio universale

Nella New York turbolenta degli anni Ottanta - città segnata da violenza, droga e degrado urbano - Keith Haring trae ispirazione dall'energia grezza di un'epoca pre-digitale, in cui le idee circolavano attraverso le strade, la musica, i club e il contatto diretto tra le persone.

È il luogo di nascita dell'hip-hop e della street art, dove arte, attivismo e cultura popolare si incontrano.

Il progetto espositivo riunisce oltre 140 opere e materiali eccezionalmente prestati dalla Nakamura Keith Haring Collection, la maggiore raccolta al mondo dedicata all'artista, insieme a importanti prestiti pubblici e privati.

La mostra ripercorre il percorso artistico di Haring dai primi lavori a New York e dagli iconici Subway Drawings ai poster politici, alle sculture, ai dipinti e alle opere finali.

Per tutta la carriera Haring amplia il proprio linguaggio visivo restando fedele a una convinzione semplice: l'arte deve essere accessibile a tutti.

Bambini radianti, cani che abbaiano, figure danzanti, angeli, cuori, televisori e piramidi sono più che motivi ricorrenti: formano un linguaggio visivo universale che continua a parlare a culture e generazioni diverse.

Il percorso espositivo

Pensato per le sale di Palazzo Braschi, il percorso si articola in nuclei tematici: la strada e la metropolitana, l'impegno politico e sociale, il corpo e l'energia vitale, l'arte come linguaggio per tutti, fino alla dimensione simbolica e spirituale.
Dentro questo racconto, l'Italia diventa una chiave di lettura: qui Haring incontra spazi pubblici, galleristi e progetti capaci di dialogare con la sua idea di arte urbana e collettiva.

Il percorso è accompagnato da un articolato programma didattico pensato per i giovani e per le scuole, con attività capaci di avvicinare le nuove generazioni al linguaggio immediato, inclusivo e partecipativo dell'artista. 

 

>> Informazioni 

>> Visite guidate il sabato e la domenica alla mostra Keith Haring 

fonte: www.museodiroma.it 

Mostre: Museo degli Innocenti, Firenze "Artemisia Gentileschi" dal 21 ottobre 2026 al 04 aprile 2027

Dal 21 ottobre 2026 al 4 aprile 2027, il Museo degli Innocenti ospita per la prima volta una straordinaria mostra dedicata al periodo fiorentino di Artemisia Gentileschi. 

In foto: Artemisia Gentileschi, Maddalena1630-1635, Olio su tela, 108×78,5 cm Beirut (Libano), Sursock Palace Collection

La mostra si concentra sull’importante soggiorno fiorentino dell’artista caravaggesca Artemisia Gentileschi, periodo cruciale per la sua affermazione professionale. 

Tra le sale del Museo degli Innocenti prendono vita i suoi dipinti più intensi, caratterizzati da un uso drammatico del chiaroscuro. L’esposizione indaga l’autonomia pattuita con la committenza medicea e il suo ruolo all’interno dell’Accademia delle Arti del Disegno. Un tributo alla forza espressiva e alla determinazione di una figura simbolo della pittura barocca.   

A Firenze Artemisia trova la sua maturità artistica: è la prima donna ad essere ammessa all’Accademia delle Arti, riceve prestigiosi incarichi dalla famiglia Medici, frequenta Galileo Galilei e gli artisti coevi, è al centro della vita culturale del tempo. 

Qui Artemisia si afferma come artista, libera dalla morbosa attenzione mediatica che la costringe a lasciare Roma, e trova la sua strada, quella che la porterà ad entrare a pieno titolo tra i grandi maestri della storia dell’arte.

La mostra ospita anche due capolavori di Caravaggio.

Il ticket di accesso all'esposizione permetterà la visita a tutta la collezione permanente del Museo degli Innocenti, con oltre quattro piani di visita.
Le prevendite sono online:
https://www.ticket.it/mostre/evento/artemisia-firenze.aspx

https://www.ticket.it/mostre/abbonamento/artemisia-firenze.aspx

fonte e Info: www.museodeglinnocenti.it 

Festival del Cinema Giapponese in Toscana 2026. Dal 3 al 6 settembre al Cinema Teatro La Compagnia di Firenze

Il Giappone come set cinematografico: narrazioni e territorio. Dopo il successo delle scorse edizioni, torna a Firenze il Festival del Cinema Giapponese in Toscana, la terza edizione sarà sempre a La Compagnia dal 3 al 6 settembre.

Il Festival del Cinema Giapponese in Toscana torna a Firenze per la sua terza edizione, inserendosi a pieno titolo nelle celebrazioni per i 160 anni di relazioni diplomatiche tra Italia e Giappone. Quattro giornate di proiezioni, dieci film i in lingua originale con sottotitoli in italiano e proiezioni in pellicola: un percorso attraverso narrazioni e territorio, esplorando il modo in cui il paesaggio giapponese diventa protagonista delle storie raccontate sullo schermo. Un programma che intreccia sguardi diversi, con protagonista sia il cinema del passato che opere contemporanee, passando per produzioni brevi e sperimentali, per raccontare il rapporto tra individui, comunità e ambiente in Giappone, tra tradizione e contemporaneità.

Il programma si arricchisce con una sezione dedicata ai cortometraggi diretti da giovani registi e tornano in sala anche le proiezioni in pellicola 16mm. La giornata di venerdì 4 settembre proporrà un percorso visivo unico con tre film storici, provenienti dall’archivio dell’Istituto di Cultura Giapponese di Roma. Una scelta mirata per sostenere l’importanza e la difficile conservazione dei formati tradizionali.

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Il Festival del Cinema Giapponese in Toscana è un progetto di Terza Missione del Dipartimento DISU dell’Università per Stranieri di Siena, in collaborazione con l’Istituto Giapponese di Cultura – Roma, la Regione Toscana e Fondazione Sistema Toscana, con la direzione scientifica e organizzativa di Maria Gioia Vienna.

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tutte le proiezioni sono a ingresso libero. >>  La Programmazione QUI 

fonte: www.cinemalacompagnia.it 

Parigi - Per il ventennale del film cult "Marie Antoinette" arriva la mostra a Versailles

Versailles celebra il film di Sofia Coppola “Marie Antoinette” a vent’anni dall’uscita. 

In mostra al Petit Trianon, dal 22 settembre al 24 gennaio 2027, costumi, mood board e scenografie racconteranno la genesi e l’eredità estetica della pellicola.

È il 2006 quando nelle sale di tutto il mondo arriva un film destinato a diventare rapidamente un cult: Marie Antoinette, il film con cui Sofia Coppola diede della regina di Francia un'interpretazione pop e malinconica. 

Vent’anni dopo, Versailles torna a confrontarsi con quella rilettura cinematografica ospitando dal 22 settembre 2026 al 24 gennaio 2027 al Petit Trianon una mostra realizzata in collaborazione con la regista statunitense. Un progetto alla genesi di quella fortunata pellicola, alle sue scelte estetiche e all’impatto culturale che continua a esercitare.

Girata in gran parte negli ambienti della reggia francese, la pellicola rompeva con il tradizionale biopic storico per raccontare non tanto una sovrana, quanto una giovane donna alle prese con solitudine, noia e pressione sociale. Colori pastello, musica contemporanea e una sensibilità quasi adolescenziale contribuirono a restituire una Marie Antoinette lontana dalla caricatura rivoluzionaria e più vicina ai temi ricorrenti del cinema di Coppola: identità, isolamento, ricerca di sé.

IL FILM SU MARIA ANTONIETTA DI SOFIA COPPOLA ISPIRA UNA MOSTRA A VERSAILLES

L’esposizione ricostruirà il processo creativo che portò alla nascita dell’universo visivo del film Marie Antoinette, mostrando documenti di lavoro, primi mood board, costumi, accessori, elementi scenografici e ambienti ricreati. Il percorso permetterà di osservare come Coppola abbia preferito reinterpretare il Settecento anziché ricostruirlo in modo filologico, immaginando Versailles non come semplice fondale monumentale. Nel film, infatti, la reggia perde in parte la sua carica di luogo solenne del potere per diventare uno spazio privato, sensoriale e femminile, segnato dal desiderio di evasione. La mostra approfondirà anche l’influenza esercitata dalla figura di Marie Antoinette oltre il cinema, dalla moda alla gastronomia fino all’estetica del lifestyle.

MARIE ANTOINETTE E IL PETIT TRIANON DI VERSAILLES

La scelta del Petit Trianon come sede della mostra aggiunge un ulteriore livello di significato. Costruito per Madame de Pompadour, abitato poi da Madame du Barry e infine divenuto il rifugio prediletto di Marie Antoinette, il piccolo château incarna il volto più intimo di Versailles: un luogo appartato, legato al gusto personale e alla possibilità di sottrarsi, almeno in parte, all’etichetta e allo sguardo della corte. Proprio per questo fu centrale anche nell’immaginario del film.

“Durante la realizzazione di Marie Antoinette”, ha raccontato Sofia Coppola, “Versailles è stata molto più di una semplice location: è diventata parte del linguaggio e dell’atmosfera del film, quasi un personaggio a tutti gli effetti. Tornare vent’anni dopo per esplorare il processo creativo che ha dato vita al film e l’incredibile squadra di artigiani che vi ha lavorato, in questo stesso luogo, è un’esperienza inaspettatamente commovente”.

[Immagine in apertura: © Brigitte Lacombe] fonte: https://arte.sky.it 

Firenze: "Immersion" dal 10 al 19 settembre al Museo Marino Marini, un percorso immersivo che accompagna i visitatori dal primo laboratorio della famiglia Panerai fino al mare

Nel 2026, Panerai celebra il centenario della storica boutique di Piazza San Giovanni a Firenze con Immersion, una nuova mostra che propone un'esplorazione contemporanea dell'identità della Maison.

Ospitata dal 10 al 19 settembre presso il Museo Marino Marini, la mostra rappresenta un percorso immersivo che accompagna i visitatori dal primo laboratorio della famiglia Panerai fino al mare, invitandoli a scoprire la marca attraverso l’esperienza diretta delle condizioni e degli elementi che ne hanno storicamente plasmato l'identità, dalle origini fino a oggi: funzionalità, ricerca delle prestazioni e autentico spirito d’avventura.

A dieci anni dal grande successo della mostra Dive Into Time, allestita nel 2016 presso il Museo Marino Marini, Panerai torna nello storico museo fiorentino per offrire una nuova lettura del proprio straordinario passato. Celebre per il dialogo tra architettura storica ed espressione artistica contemporanea, il Museo Marino Marini ospiterà nuovamente la Maison nella sua cripta, cornice ideale per un viaggio attraverso il tempo e le profondità marine.

La mostra accompagna i visitatori alla scoperta delle origini dell'attività della famiglia Panerai, destinata a creare una delle icone dell'orologeria del XXI secolo, e tratteggia un ritratto contemporaneo dello spirito del marchio. A partire dal 1860, proprio a Firenze, la famiglia Panerai sviluppò parallelamente due realtà destinate a segnare la storia della Maison: la boutique Orologeria Svizzera, punto di riferimento per la cultura orologiera cittadina, e la società G. Panerai & Figlio, specializzata nella realizzazione di strumenti professionali destinati alla Marina Militare Italiana.

Da Firenze e dalla storia della famiglia Panerai, il percorso conduce i visitatori nell'atmosfera di un laboratorio militare segreto, dove si consolidano le basi della competenza tecnica della Maison. Da qui l'esperienza si addentra nelle profondità marine, immergendo il visitatore in un ambiente fatto di pressione, oscurità, silenzio e pericolo di vita, una situazione nel quale il significato di uno strumento professionale si rivela in modo immediato e tangibile.

Nel capitolo conclusivo, Panerai accompagna il visitatore in un universo fatto di vento, acqua, tempo e orizzonte, dove convivono l'intensità della vela sportiva e il ritmo senza tempo della navigazione tradizionale. Strumenti nautici storici e cronografi contemporanei dialogano tra loro come espressioni della stessa volontà di affrontare il mare aperto: da un lato la ricerca della prestazione e della competizione, dall'altro il desiderio di esplorazione, memoria e navigazione d’altura.

Più che una mostra dedicata all'orologeria, Immersion offre un'opportunità unica per entrare in contatto con l'identità più autentica della Maison. Dalle profondità dell'oceano fino al Polo Nord, i visitatori vivranno un'autentica esperienza di esplorazione, scoprendo come le caratteristiche che definiscono i segnatempo Panerai - robustezza, luminescenza, lunga riserva di carica e impermeabilità - rappresentino ancora oggi elementi essenziali per affrontare e portare a termine ogni missione.

Immersion – Un'esplorazione contemporanea dell'identità di Panerai
Museo Marino Marini, Piazza San Pancrazio, Firenze, Italia
Date: aperta al pubblico dall'11 al 19 settembre 2026
Orari di apertura: dalle 10:00 alle 19:00, tutti i giorni, dall'11 al 19 settembre

Al link anteprima mostra e prenotate la vostra visita su https://www.panerai.com/_website_locale_/focus/immersion.html

• Museo Marino Marini
   
  fonte: https://cultura.comune.fi.it 

Firenze - L’Archivio Storico del Comune celebra 50 anni a Palazzo Bastogi: porte aperte per le Domeniche Metropolitane tra teatro, mostre e memoria

A mezzo secolo dall'istituzione formale nella sede di via dell'Oriuolo, l'Archivio promuove visite teatralizzate straordinarie, una mostra documentaria e un video che ne ripercorrono la storia. Iniziative presentate stamani con l'assessore Bettarini

L’Archivio Storico del Comune di Firenze partecipa alle Domeniche Metropolitane offrendo ai cittadini un’occasione speciale per riscoprire il proprio patrimonio documentario e festeggiare un traguardo fondamentale: i 50 anni dalla sua istituzione formale nella sede di Palazzo Bastogi, in via dell’Oriuolo 33.

Per festeggiare l'anniversario, l'Archivio proporrà un originale percorso teatralizzato curato in collaborazione con la Fondazione MUS.E. Attraverso le figure del bibliotecario e archivista Giuseppe Conti, del Granduca Pietro Leopoldo e di Elisa Baciocchi, i visitatori saranno guidati alla scoperta dei tre principali fondi storici dell'Archivio (Comunità, Mairie e Comune di Firenze). La storia complessa dei documenti comunali – riuniti a Palazzo Bastogi nel 1976 a seguito dell'applicazione del DPR 1409/1963 – sarà inoltre raccontata in un video promozionale realizzato con l'Ufficio Comunicazione di Palazzo Vecchio.

Nelle sale espositive del piano terra sarà inoltre allestita una mostra speciale a cura del personale dell'Archivio, che esporrà alcuni dei documenti più rappresentativi conservati, compresi i fondi aggregati come quelli dedicati ai teatri cittadini, all'Ospedale San Giovanni di Dio e alle Scuole Leopoldine.

"L’Archivio Storico rappresenta la memoria viva di Firenze, un luogo straordinario in cui i documenti raccontano la grande e la piccola storia della nostra comunità" ha detto l'assessore alla cultura Giovanni Bettarini. "Festeggiare i cinquant'anni dalla sua sede a Palazzo Bastogi significa celebrare mezzo secolo di servizio pubblico gratuito, reso possibile da un costante investimento della nostra Amministrazione in personale qualificato, nella cura dell'immobile e nella tutela dei documenti garantita dal laboratorio di restauro interno. Oggi l'Archivio è un'eccellenza accessibile a tutti, sia in presenza sia grazie a un database online che conta oltre 270.000 record."

"Un evento di living history che restituisce agli occhi del pubblico i tratti di alcune figure chiave della storia della città e dei suoi archivi, dal Granduca Pietro Leopoldo a Elisa Baciocchi fino all'erudito Giuseppe Conti - ha spiegato Valentina Zucchi, responsabile della mediazione culturale di Fondazione MUS.E - Un percorso di teatro nel quale i personaggi si pongono in dialogo ideale con il ricco e prezioso corpus di documenti custoditi nell'antico Palazzo Bastogi, depositi della memoria civica dalla fine del Settecento in poi, quando nacque la Comunità di Firenze".

Informazioni e Calendario Events

• Mostra documentaria: aperta dal 5 settembre al 4 ottobre (il martedì e il giovedì, oltre alle Domeniche Metropolitane).
• Visite teatralizzate (Domeniche Metropolitane):6 settembre, 4 ottobre, 1° novembre e 6 dicembre (ore 15:00 e ore 17:00).
• Anteprima straordinaria: Sabato 5 settembre alle ore 16:00.
• Prenotazioni: L'ingresso ai percorsi teatralizzati è gratuito con prenotazione obbligatoria scrivendo a: prenotazioni.archiviostorico@comune.fi.it
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• fonte (s.p)e info: www.comune.firenze.it 

Mostre: al Palazzo dei Priori di Fermo "Frida Kahlo e Marilyn Monroe. Vite parallele” fino al 1 novembre 2026

"Frida Kahlo e Marilyn Monroe. Vite parallele” a cura di Carolina Dema, Tanino Bonifacio e Alberto Rossetti.

Così lontane, così vicine: la pittrice messicana icona del surrealismo e la diva di Hollywood simbolo del glamour. Palazzo dei Priori di Fermo ospita dal 28 giugno all’1 novembre 2026 “Frida Kahlo e Marilyn Monroe. Vite parallele”, a cura di Carolina Dema, Tanino Bonifacio e Alberto Rossetti.  

Oltre 120 fotografie raccontano le esistenze di due donne solo apparentemente lontane. Pittrice rivoluzionaria la prima, diva hollywoodiana e incarnazione della bellezza la seconda, Frida Kahlo e Marilyn Monroe condividono sorprendenti affinità, senza essersi mai incontrate: la costruzione della propria immagine pubblica, il rapporto complesso con il corpo, gli amori più tormentati, il desiderio di maternità mai realizzato e una costante tensione tra fragilità privata e mito pubblico, al quale sono infine dedicate alcune opere di artisti come Andy Warhol e Zhang Hongmei. Un racconto biografico intenso e coinvolgente che intreccia arte, cinema, politica e cultura visiva.

La mostra è promossa dal Comune di Fermo, con il contributo della Fondazione Cassa di Risparmio di Fermo, partner Mus-e del Fermano e in collaborazione con Rjma Progetti culturali e Art Book Web. L’organizzazione è affidata a Maggioli Cultura e Turismo.

Attraverso gli scatti di grandi fotografi del loro tempo la mostra ripercorre l’evoluzione delle due protagoniste dall’infanzia alla piena affermazione artistica e mediatica, con un singolare punto di contatto: l’amicizia e la relazione, in momenti diversi, con il fotografo Nickolas Muray.Una lunga relazione e “quasi una venerazione” per Frida e con Marilyn una relazione tenuta segreta sino alla sua morte e rivelata dalla moglie di Muray dopo il ritrovamento di una fotografia con una dedica appassionata.

Oltre alle foto di Muray in mostra si possono ammirare, tra gli altri, gli scatti di Guillermo Kahlo, Imogen Cunningham, Lucienne Bloch, Leo Matiz, Lola e Manuel Alvarez Bravo, Edward Weston, Sam Sahw, Ed Feingersh, Milton Greene, Cecil Beaton e Richard Avedon. Ci raccontano il pubblico e il privato di Frida e di Marilyn, i loro rapporti con personalità importanti e ingombranti come Diego Rivera, compagno di Frida e impenitente donnaiolo, con Joe Di Maggio o Arthur Miller e lo stesso John Fitzgerald Kennedy, notoriamente malato di sesso per Marilyn.

Il percorso di mostra si completa con una sala “Omaggio a Frida” e una sala “Omaggio a Marilyn”, dove sono esposti alcuni documenti, un video di Frida e Diego e un gruppo di opere di alcuni artisti che nel tempo hanno continuato a guardare a Frida e Marilyn come muse contemporanee: tra questi Andy Warhol, Mimmo Rotella, Marco Lodola e i cinesi Xu De Qi, e Zhang Hongmei che ha realizzato riproduzione fedele del fondamentale dipinto Las Dos Frida. 

>> Guarda il video promo della mostra >> QUI

>> Info e prenotazioni >> QUI 

 fonte: www.fermomusei.it 

Eventi: a Milano Le Cannibale + PAC Jolly Mare suona ‘La Luce dell’Alba’. Il 13 Settembre 2026, H 20:30 - 23:30

In occasione di PERFORMING PAC, la mostra che mette in dialogo arti visive e performance al PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano, Le Cannibale presenta la prima data milanese di ‘La Luce dell’Alba’, il nuovo progetto live di Jolly Mare dedicato all’eredità musicale di Piero Umiliani.

Un incontro inedito tra passato e futuro: grazie alla famiglia Umiliani, Jolly Mare rielabora una selezione di brani del Maestro creando un nuovo dialogo tra il linguaggio visionario di uno dei più importanti compositori italiani del Novecento e la ricerca elettronica contemporanea. Il live si inserisce nel percorso di ‘PERFORMING PAC. 

These fragments I have shored against my ruins’, la mostra dedicata al collage, all’assemblaggio e alla trasformazione dei linguaggi artistici, che mette in relazione la storica eredità di Kurt Schwitters con le opere di sette artisti contemporanei.

Partner dell’evento è il nuovo Aperitivo Ramazzotti, che accompagnerà la serata con una proposta bar dedicata, in dialogo con la dimensione culturale e conviviale del progetto. Con questa collaborazione, Le Cannibale e PAC esplorano nuove connessioni tra suono, arti visive e cultura contemporanea.

MUSIC:
Jolly Mare suona ‘La Luce dell’Alba’
Live in trio dell’album nato come incontro immaginario tra Jolly Mare e Piero Umiliani.

fonte: www.pacmilano.it